SCHOPENHAUER


Sa philosophie► idéalisme athé

“L’univers est notre représentation”

Il est fondateur du pessimisme, il considère que tous les mondes possibles notre monde est le pire qui soit.
La volonté est le principe fordamental de l’univers, elle est source de vie, source de progrès. C’est cette volonté universelle dont la conscience individuelle n’est qu’un moment fugitif qui pousse l’être à se nourrir du désir de bonheur, bonheur inatteignable qui engendre la souffrance et la douleur, l’état naturel de l’homme selon Schopenhauer seul échappatoire: “détruire en nous, par tous les moyens la volonté de vivre” et s’évader du désir inassouvable (inassouvissable) par l’anéantissement dans le nirvana bouddhique et la contemplation esthétique.

Pour lui, vivre est une souffrance. L’existence est une suite de dizaines de tourments. Il n’y a point de désir qui ne soit suivi de déception, de plaisir qui n’ait pour contrepartie lassitude, de jouissance qui n’amène le dégoût.


Le cours de la vie est misérable. Le passé ne nous appartient plus, le présent n’est qu’un moment qui fuit sans cesse, l’avenir est une page fermée et indéchiffrable. L’enfant n’a point conscience de soi, le jeune homme qui est plein d’illusions cherche à réaliser ses rêves, l’homme mûr est désenchanté, se fatigue pour maintenir une existence; le vieillard assiste à sa destruction torturée par la maladie et miné par le chagrin. Tout est vain et rien n’est plus vain que l’amour qui d’abord embrasse l’être humain et qui semble l’élever au-dessus de lui-même. L’amour est la manifestation de la volonté qui cherche à produire la vie, les charmes de l’amour ne sont que la tromperie de la volonté qui nous enivre afin de nous amener à entretenir la vie.

L’homme, pour Schopenhauer est éphémère, une manifestation fortuite d’une puissance occulte et à celui dont le cerveau est assez développé pour approfondir la nature des choses, la vie n’apparait que comme une farce qui se joue dans la douleur et les angoisses. Arrivé là, il n’y a plus qu’à conclure, comme les bouddhistes que la vie étant un mal, il vaudrait mieux qu’elle n’eût jamais commencé.

Le monde est la volonté sous des formes diverses et à des degrés nombreux. Si on agit avec les volontés, si on agit avec connaissance rationnelle le monde est une représentation.


Les tendances et les aspirations qui se manifestent dans notre plaisir et dans notre douleur, dans notre peur et dans notre espérance, dans tous nos sentiments sont une révélation du fond derrière l’existence qui nous donnent une clef pour comprendre la nature.

CLAUDE CHABROL (1930-2010)
Claude Chabrol est né à Paris, le 24 juin 1930. C'est un fils de pharmacien et il dévore la Comtesse de Ségur. Il débute dans le cinéma dés l'âge de 12 ans comme projectionniste dans un garage d'un petit village de la Creuse.
Après ses études secondaires, il se lance dans des études de Droit, puis une licence de lettres et des études de pharmacie. Déjà rusé, il gagne son argent de poche en écrivant de fausses dédicaces d ‘Hemingway et de Faulkner et profite du snobisme parisien pour en tirer un bon prix.
Claude Chabrol entre aux "Cahiers du Cinéma" en 1953, ses amis François Truffaut et Jacques Rivette y font déjà leurs premières armes depuis quelques mois. C'est d'ailleurs grâce à eux, rencontrés à la Cinémathèque de Langlois et dans les ciné-clubs du Quartier Latin, que Chabrol a pu être introduit auprès d'André Bazin et Jacques Doniol-Valcroze, fondateurs de la toute jeune revue de cinéma à couverture jaune.
Dès ses débuts il défend la "politique des auteurs", pas encore strictement définie, mais déjà présente en puissance. A propos du film Chantons sous la pluie de Kelly et Donen, Claude Chabrol écrit : "il s'agit bien, cette fois, d'un film d'auteur, ce qui est rare dans ce genre de production". Le jeune critique cherche alors à convaincre ses lecteurs qu'à l'intérieur même du carcan des studios hollywoodiens, un réalisateur, malgré les règles et les conventions qui régissent les productions, peut imposer son style pour ainsi se positionner en véritable auteur de film
Chabrol reprendra ces idées quelques numéros plus tard pour partir à la défense d'Alfred Hitchcock, considéré alors par la critique comme simple technicien efficace et non comme un auteur à l'univers passionnant.
En 1957, il publie avec Éric Rohmer un livre sur Alfred Hitchcock.
Il participe ainsi au lancement de la Nouvelle Vague française en étant critique aux Cahiers du cinéma.

Ses premiers films
Il se marie très jeune à Agnès, une riche héritière ce qui lui permet de fonder sa société de production. Il produit, pour démarrer, un court métrage de Jacques Rivette, "Le Coup du berger" (1956) avec Jean-Claude Brialy et François Truffaut, dont il est aussi scénariste. Il peut réaliser ses premiers films.
"Le beau Serge" en 1959 avec Jean-Claude Brialy, un drame campagnard qui dénote avec ses futurs thèmes de prédilection, sera son coup d'essai en tant que réalisateur, d'emblée couronné par un succès commercial conséquent.
"Les Cousins" qui sort la même année est une crépusculaire étude de mœurs dans un Paris partagé entre existentialisme et misère.
Il montre déjà son originalité et son regard à la fois féroce et plein d'humour.
L'année suivante, il est mal compris avec "Les bonnes femmes" où l'on trouve une vision acide des femmes. La bêtise de ces femmes pathétiques effraie le public qui se sent visé et méprisé.
Claude Chabrol divorce pour épouser en 1964 la comédienne Stéphane Audran, qui sera très souvent son interprète.

La maturité
La bêtise va devenir un des thèmes clés de l'œuvre de Chabrol qui se dit fascinée par elle : "la bêtise est infiniment plus fascinante que l'intelligence. L'intelligence, elle, a ses limites tandis que la bêtise n'en a pas. Voir un être profondément bête, c'est très enrichissant et l'on a pas à le mépriser pour autant." "Les Godelureaux", l'année suivante, ne rencontre pas plus de succès. Il se lance alors dans la réalisation de films d'espionnage souvent parodiques et toujours plein d'humour, mais boudés par la critique.
Il renoue avec le succès à partir de 1968 avec une série de films : "Les Biches", "La femme infidèle" (1969), "Que la bête meure" (1969), "Le boucher" (1970). Claude Chabrol aime s'entourer de ses acteurs fétiches et on y retrouve Michel Bouquet, Jean Yanne et toujours et encore sa femme, Stephane Audran.
Il poursuit son analyse décapante des mœurs de la petite bourgeoisie avec "Docteur Popaul" (1972) ou "Violette Nozière" (1978) où apparaît la jeune Isabelle Huppert qui deviendra l'égérie du cinéma de Claude Chabrol dans les années 80-90.
En 1982, il adapte un roman de Simenon, "Les fantômes du chapelier", véritable tableau des mœurs d'une petite ville de province. Le film est empreint d'une violence inquiètante, retenue et intériorisée que l'on retrouvera dans "Masques" en 1987.
Les années 1990 sont peut être plus que jamais les années Chabrol avec des chefs d'œuvre comme "La cérémonie" (1995) servie par les interprétations époustouflantes de Sandrine Bonnaire et d'Isabelle Huppert, inquiétantes dans leur folie ordinaire, ou encore "L'enfer" (1994) avec la très belle et troublante Emmanuelle Béart et le très torturé François Cluzet.

Le style de Chabrol
A l'inverse d'un Resnais mûrissant longuement chaque œuvre, Claude Chabrol a tourné beaucoup de films, plus de cinquante, rejoignant ainsi Jean-Luc Godard. "Rien ne va plus" est son cinquantième film en 1997.
Bien sûr certains de ces films sont des films alimentaires fait pour renflouer sa société de production (et payer ses impôts, selon ses propres aveux !) : ainsi la série des “Tigre”, sans compter des séries pour la télévision.
Mais il sait aussi prendre des risques comme par exemple en 1980, en se lançant dans l'adaptation du "Cheval d'orgueil", le roman breton de Pierre Jakez-Elias, avec des comédiens peu connus du grand public.
Claude Chabrol a été marié avec Stéphane Audran de 1964 à 1980. Son épouse actuelle, la troisième, est Aurore Paquiss, actrice et assistante de production.

Filmographie de Claude Chabrol
1959 : Le beau Serge
1959 : Les Cousins
1959 : À double tour
1960 : Les Bonnes femmes
1961 : Les Godelureaux
1962 : Les sept Péchés capitaux ( sketch L'avarice)
1962 : L'Œil du Malin
1963 : Ophelia
1963 : Landru
1964 : Les plus belles Escroqueries du monde (sketch L'homme qui vendit la Tour Eiffel))
1964 : Le Tigre aime la chair fraîche
1965 : Paris vu par...(sketch La Muette)
1965 : Marie-Chantal contre docteur Kha
1965 : Le Tigre se parfume à la dynamite
1966 : La Ligne de démarcation
1967 : Le Scandale
1967 : La Route de Corinthe
1968 : Les Biches
1969 : La Femme infidèle
1969 : Que la bête meure
1970 : Le Boucher
1970 : La Rupture
1971 : Juste avant la nuit
1971 : La Décade prodigieuse
1972 : Docteur Popaul
1973 : Les Noces rouges
1974 : Nada
1975 : Une Partie de plaisir
1975 : Les Innocents aux mains sales
1976 : Les Magiciens
1976 : Folies bourgeoises
1977 : Alice ou la Dernière Fugue
1978 : Les Liens de sang
1978 : Violette Nozière
1980 : Le Cheval d'orgueil
1982 : Les Fantômes du chapelier
1984 : Le Sang des autres
1985 : Poulet au vinaigre
1986 : Inspecteur Lavardin
1987 : Masques
1988 : Le Cri du hibou (d'après un roman de Patricia Highsmith)
1988 : Une Affaire de femmes
1990 : Jours tranquilles à Clichy
1990 : Docteur M
1991 : Madame Bovary
1992 : Betty
1993 : L'Œil de Vichy
1994 : L'Enfer
1995 : La Cérémonie
1997 : Rien ne va plus
1999 : Au coeur du mensonge
2000 : Merci pour le chocolat ( prix Louis-Delluc)
2003 : La Fleur du mal
2004 : La Demoiselle d'Honneur
2006 : L'Ivresse du pouvoir
2007 : La Fille coupée en deux
2009 : Bellamy

Madame Bovary, de Claude Chabrol, sorti en 1991, durée 140 mn, adaptation assez fidèle du roman homonyme de Gustave Flaubert►
avec Isabelle Huppert (Emma Bovary), Jean-Francois Balmer (Charles Bovary), Christophe Malavoy (Rodolphe Boulanger), Lucas Belvaux (Léon Dupuis), Jean Yanne (Homais, le pharmacien), Christiane Minazzoli (Mme Lefrancois), François Périer (Le narrateur), Florent Gibassier (Hippolyte), Jean-Claude Bouillaud (Rouault), François Maistre, Thomas Chabrol, Jean-Louis Maury, Henri Attal.

Isabelle Huppert dans le rôle de
"Madame Bovary"

Fille d’un riche paysan, Emma aspire à une vie pleine de passions dignes des romans sentimentaux qu’elle a lus au couvent. Dans cet espoir, elle épouse Charles Bovary, médecin à Tostes en Normandie, mais elle déchante bien vite. L’ennui est son lot quotidien. Pour dissiper sa mélancolie, le couple s’installe à Yonville, bourgade plus importante où ils compteront parmi les notables, entre l’ambitieux pharmacien, Homais, le curé Bournisien, le notaire et son jeune clerc, Léon Dupuis.
La naissance d’une petite fille ne lui procure pas plus le bonheur espéré et Emma se laisse séduire par les regards langoureux du jeune Léon. Mais c'est un riche propriétaire, Rodolphe Boulanger, qui en fait sa maîtresse et elle se jette avec fougue dans l’amour adultère. Elle pousse par ailleurs son mari à accomplir une opération chirurgicale inédite d’un pied-bot mais celle-ci échoue.
Le mépris d’Emma pour son mari est alors sans appel et elle échafaude un plan pour fuir avec son amant. Ce projet romanesque ne plaît guère ou effraye celui-ci, qui l’abandonne. Désespérée, elle sort de sa léthargie grâce à Léon, retrouvé par hasard à Rouen. Cette deuxième liaison la pousse à contracter dette sur dette auprès d’un marchand faussement compatissant, Lheureux. Celui-ci, pour recouvrer son argent, menace de la faire saisir mais Emma se suicide avant une telle déchéance. Charles assiste impuissant à son agonie et à son propre déclin. Il meurt de chagrin, non sans avoir pardonné.
Lorsque Chabrol décide d’adapter l’un des chefs-d’œuvre de la littérature française, il lance non seulement un défi au lecteur-spectateur qui croit connaître tout du roman, mais encore il réinterprète Flaubert tout en lui vouant un regard naturaliste. L’étonnante modernité, qui en 1857 caractérisait Madame Bovary par rapport à la production romanesque antérieure, touche plus que jamais notre société. Chabrol fait de ce livre une étude analytique des mœurs de province et reconstruit un bovarysme ironique et plus réaliste que jamais.
Une majeure partie de la production du cinéaste se fonde sur la critique d’une société française qui étouffe et qui se meurt dans la jalousie, dans l’intérêt, dans les manipulations affectives et familiales. Le cinéma de Chabrol, chargé d’atmosphères lourdes et oppressantes, rend le roman de Flaubert encore plus moderne. Madame Bovary à l’écran reste une femme d’aujourd’hui qui fuit la médiocrité et la monotonie quotidienne de la vie au foyer sans travail.
Claude Chabrol développe une empathie ironique sur un tempérament féminin qui se perd entre ses pulsions et ses intérêts. Tout le récit filmique est vu sous l’angle de la dérision : l’héroïne meurt parce qu’elle a des dettes. Ainsi, le cinéaste respecte l’œuvre initiale. Madame Bovary représente non seulement l’auteur, évoquons la fameuse phrase ironique de l’écrivain « Madame Bovary, c’est moi », mais elle s’adapte implicitement aux intentions du réalisateur. Le film de Chabrol interprète la modernité du roman, il la met au goût du jour et surenchérit l’ironie flaubertienne. Emma à l’écran sombre entre le pragmatisme et le romantisme.
Les descriptions de Flaubert sont d’une telle acuité visuelle que le réalisateur n’a plus qu’à cueillir les mots pour les mettre en mouvement. Le réalisateur fait des grands plans d’ensemble lorsque Emma ressent ce que Flaubert a décrit.
L’héroïne n’est pas intéressée par la soirée mais par ce que les autres disent : « Pour madame Bovary, ce bal est la révélation du luxe, de ce qui échappe, de ce qui appartient aux autres. » Cet univers la fascine et l’attriste en même temps et Isabelle Huppert rend merveilleusement bien cette ambiguïté.
Lorsque Emma a l’impression d’appartenir à cet univers, les plans s’élargissent dévoilant la noblesse, sa vie fastueuse et outrancière : on brise les fenêtres lorsqu’il fait trop chaud. Quand elle se met à danser, le réalisateur filme le visage d’Emma et Isabelle Huppert devient radieuse. Chabrol traduit cette ivresse par un gros plan sur les robes qui tournoient avec le rythme de la valse.
Madame Bovary, sans être une criminelle, demeure une variation de Violette Nozière, jouée d’ailleurs par la même actrice. Chabrol affronte le cœur de l’horreur dirigée par la passion : « cette part obscure de l’être humain, liée au sexe et à la mort, relève de l’inexplicable. Tel est aussi le problème du Mal, qui pour certains théologiens, se traduit par la déroute et l’angoisse de l’esprit devant le non-sens. »
Madame Bovary fut l’objet de nombreuses adaptations au cinéma, les versions les plus connues sont celles de Jean Renoir (Madame Bovary, 1933) , de Vincente Minnelli Madame Bovary, 1949 et de Claude Barma en 1953, pour la télévision.
Celle de Claude Chabrol restera à la fois parmi les plus personnelles et les plus respectueuses de l'esprit de Flaubert.

Les principales réactions au décès de Claude Chabrol


- Gérard Depardieu, sur RTL:
"Claude était la joie de vivre même, et on ne pouvait pas penser qu'il puisse mourir. C'était la gaieté. Je n'arrive pas à imaginer qu'il soit parti. A aucun moment il ne parlait de la mort (...) Il avait tout, il avait l'histoire du cinéma, il avait la passion, il avait aussi l'enfance, le rire, aussi le plaisir. Pour moi, il ne répond pas au téléphone, mais j'aime à dire qu'il est là, qu'il est présent partout".


- Jean-Pierre Mocky, sur France-Info:
"Malheureusement mon ami est mort (...) C'est un vieux compagnon, on se connaît depuis 1952, ça fait 58 ans (...) L'ancêtre (Eric) Rohmer est parti, le cadet (Alain) Corneau est parti. Maintenant il reste M. Alain Resnais, mon vieil ami, moi et (Jacques) Rivette".


- Claude Lelouch, sur RTL:
"Il représente à la fois une révolution et une tradition, c'est-à-dire qu'il a participé à un mouvement qui a remué un peu le cinéma français dans ses habitudes. Et, une fois qu'il a été consacré, il a fait un cinéma assez classique, il est revenu à un cinéma de tradition, et c'est tout à son honneur parce qu'il a fait peut-être ses plus beaux films quand il respectait surtout les comédiens et les histoires qu'il racontait".


- Thierry Frémaux, directeur du Festival de Cannes, sur France-Info:
"C'est un peu comme un coup de tonnerre, parce que Claude Chabrol avait 80 ans mais continuait à travailler et l'énergie, la joie de vivre et le sentiment qu'il était là pour toujours donnaient aussi le sentiment qu'il était là pour toujours. Claude Chabrol fait partie du patrimoine national, et ce n'est pas du tout péjoratif quand je dis ça, par ses films et puis aussi par sa personnalité. C'est quelqu'un qui, dans l'équipe des jeunes "Turcs" qui formeront plus tard la "Nouvelle vague", avec (François) Truffaut, (Eric) Rohmer, (Jacques) Rivette, (Jean-Luc) Godard, étaient de ceux qui ont réinventé la cinéphilie mondiale (...) Je crois qu'on va retenir la diversité des sujets qu'il entreprenait. Et puis surtout, je crois qu'on retiendra son amour des acteurs. C'est quelqu'un qui est identifié à plein de générations d'acteurs".


- Serge Toubiana, directeur de la Cinémathèque, sur France-Info:
"C'était un homme absolument délicieux, malicieux, d'une intelligence incroyable et dont il ne laissait percevoir que quelques aspect. Il aimait rire, il aimait les blagues, il blaguait et il se masquait en blaguant (...)
Ce que je retiens surtout, c'est l'oeuvre. C'est le cinéaste français qui a fait le plus grand nombre de films depuis 1957-58 (...) C'est surtout une oeuvre d'une cohérence incroyable, j'aime énormément les films de Chabrol (...) C'est une oeuvre incroyablement forte. J'ose dire qu'il y a eu une période dans le cinéma français, je pense à la fin des années 1960, quand il fait "Le boucher", "Que la bête meure", "La femme infidèle", où il est à mon avis le meilleur cinéaste français".


- le comédien François Berléand, sur LCI:
"Il épinglait la bourgeoisie de province (...) Ces plateaux étaient très drôles, tout le monde s'amusait, c'était un vrai bonheur. C'est quelqu'un qui découvrait les plateaux en même temps que les acteurs (...) C'est quelqu'un qui était amoureux de la vie (...) Pour moi c'est une grande perte, c'était un ami".


- Nicolas Sarkozy, en déplacement en Dordogne:
"Il tenait de Balzac par la finesse de sa peinture sociale. Il tenait de Rabelais par son humour et sans doute aussi par sa truculence. Mais il était surtout lui-même dans ses films, comme dans sa vie. Je suis certain qu'il manquera beaucoup à chacun".


- le Premier ministre François Fillon, dans un communiqué:
"Avec le décès de Claude Chabrol, le cinéma français vient de perdre l'un de ses maîtres. Ce grand réalisateur, producteur et scénariste fut l'une des grandes figures de la "Nouvelle vague", qui révolutionna le style et les techniques du cinéma et inventa l'image du vécu, du vrai, de l'indiscret et du subtil (...) Personnage populaire, gai, à la fois sceptique et passionné, Claude Chabrol était devenu un grand témoin des us et coutumes de notre société. Son oeuvre restera comme un exemple de ce qu'un grand créateur peut dévoiler de son époque".


- le ministre de la Culture Frédéric Mitterrand:
"Claude Chabrol était l'une des personnalités les plus fortes du cinéma français. Il y a maintenant plus de cinquante ans, ses articles des "Cahiers du cinéma" et son premier film, "Le beau Serge", l'imposèrent comme l'une des figures de proue de la nouvelle vague et du souffle prodigieux qu'elle fit passer dans le cinéma français (...) Analyste subtil, drôle et féroce de la société et de ses travers, doué d'un regard à la fois malicieux et foudroyant, il était l'anticonformiste par excellence, un maître de l'ironie".


- l'ancien ministre de la Culture Jack Lang, dans un communiqué:
"Claude Chabrol était le symbole même de la vie. Il l'a dévorait avec passion et ses films expriment cette énergie vitale (...) Sans avoir jamais cherché à l'être, il était objectivement l'une des plus brillantes et truculentes incarnations du cinéma français".


- la Première secrétaire du Parti socialiste Martine Aubry:
"Tout à la fois critique, artisan de la Nouvelle Vague, homme de cinéma et de télévision, cinéaste d'art et de films plus grand public, Claude Chabrol était un immense artiste et un résumé saisissant de l'histoire du septième art en France (...) Le cinéma de Claude Chabrol fait partie de ces oeuvres qui ont construit le regard que notre société porte sur elle-même. A partir d'histoires simples et intimes, avec un regard d'une grande finesse, il savait montrer toute la complexité des relations humaines et sociales".


- le secrétaire général de l'UMP Xavier Bertrand:
"Claude Chabrol portait haut les couleurs de la culture cinématographique française, et avec sa disparition, le cinéma français perd aujourd'hui l'un de ses plus talentueux représentants".


- le maire de Paris Bertrand Delanoë, dans un communiqué:
 "Avec lui, disparaît l'inventeur d'un cinéma inspiré, foisonnant, et profondément humain. Depuis "Le beau Serge", il y a cinquante ans, jusqu'à "Bellamy" en 2008, c'est un monde que Claude Chabrol a su créer, avec ses personnages complexes, ses atmosphères singulières, et un regard tendre et féroce sur la société de son temps. Il a, au long de sa carrière, permis à des talents aussi considérables que Michel Bouquet, Jean Yanne, et bien sûr Isabelle Huppert, de donner toute leur mesure, voire de se révéler. A travers "Madame Bovary", "Landru", ou encore "La cérémonie", Claude Chabrol a ainsi produit une oeuvre immense, particulièrement originale, qui se dresse aujourd'hui comme un monument du cinéma français".

De "The Associated Press" (CP)

JACQUES PRÉVERT

Né avec le siècle à Neuilly-sur-Seine, dans un milieu de petits bourgeois trop dévots, dont il ne cessera de moquer les obsessions et les convenances, Jacques Prévert sera l'aîné des trois enfants qu'auront Suzanne Catusse et André Prévert. Il se passionera dès son plus jeune âge pour la lecture et le spectacle. A 15 ans, après son certificat d'études, il entreprend des petits boulots. Incorporé en 1920, il rejoint son régiment. Là, il forme un trio d'amis avec "Roro", un garçon boucher d'Orléans, et Yves Tanguy qui sera envoyé peu après en Tunisie. Prévert, quant à lui partira pour Istanbul où il fera la connaissance de Marcel Duhamel. De retour à Paris en 1922, Jacques s'établira au 54, rue du Château qui sera bientôt le point de rencontre du mouvement surréaliste auquel participent Desnos, Malkine, Aragon, Leiris, Artaud sans oublier le chef de fil André Breton. Prévert finira part prendre position contre l'autoritarisme du "Maître".
Un peu plus tard, il prendra ses distances avec le Parti communiste auquel il n'adhérera jamais. Sa vie durant, il défendra les faibles, les opprimés, les victimes, avec une générosité bourrue mais toujours discrète. Avec Prévert, un univers à part se crée fuyant l'ordre voulu par Dieu et les "contre-amiraux" (l'une des nombreuses figures sociales qu'il tournait en dérision).

En 1933, le groupe de théâtre "Octobre" dont il fait parti, prend part à l'Olympiade du théâtre de Moscou obtenant un premier prix qui ne sera jamais remis...

Depuis lontemps Prévert écrit, participant à des créations collectives, mais de plus en plus, souvent avec son frère Pierre, il produit les scénarios de quelques-uns des sommets poétiques du cinéma français: "Le crime de Monsieur Lange" (1935) pour Jean Renoir, "Quai des brumes" (1935), "Drôle de drame" (1937), " Le jour se lève" (1939), "Les visiteurs du soir" (1941), "Les enfants du paradis" (1944), "Les portes de la nuit" (1946), tous pour Marcel Carné. Enfin, "La bergère et le ramoneur" (1953) sera repris par Paul Grimault pour donner naissance, en 1979, à un dessin animé absolument fantastique intitulé "Le roi et l'oiseau". Ses textes suscitent l'image et ses dialogues sont époustouflants de naturel, de justesse et d'humour.

Rayé des contrôles de l'armée en 1939, il quitte Paris l'année suivante et descend vers le sud s'établissant à la Tourette- sur-Loup, où Joseph Kosma, le photographe Trauner et bien d'autres encore le rejoignent pour travailler à des réalisations de films.


Jacques Prévert écrit aussi de fabuleux poèmes en prose qu'il donne à son ami Kosma qui les met en musique pour Agnès Capri, Marianne Oswald, Juliette Gréco, les "Frères Jacques" ou encore Yves Montand pour ne citer que les plus célèbres. Les "Paroles" de Prévert seront réunies pour la première fois en 1945 par René Bertelé. Bien que certains libraires avaient prophétisés que "ça intéressent que quelques jeunes gens de Saint-Germain-des-Prés", l'ouvrage est accueilli comme une immense bouffée d'oxygène dans le climat littéraire d'après la libération et est réédité à 5000 exemplaires dans la semaine suivant le jour de sa publication.

La deuxième guerre mondiale finie, Prévert revient à Paris. Ses poèmes sont sur toutes les lèvres ou dans le pli d'un collage, avec un parfum de bonheur nostalgique et de liberté retrouvée. Prévert restera toute sa vie d'un antimilitarisme à toute épreuve et son pacifisme ne souffrira aucun compromis.

Jacques Prévert s'éteindra auprès de sa femme Janine en 1977 à Omonville la petite. Curieusement, c'est ce révolté qui avait en sainte horreur les institutions que la république des lettres allait couronner en baptisant de son nom quelques collèges et lycées et en le faisant entrer, à partir de 1992, dans l'illustre collection de la Pléiade.

PREVERT ET SES POEMES
Dans ses poèmes, Prévert manifeste tous les états d’esprits par lesquels un homme peut passer, du chagrin à la gaieté, de la méchanceté à la bonté, de la joie au désespoir. Ces états d’âme se reflètent entre autre dans ses poèmes sur l’amour.

POUR TOI MON AMOUR
Je suis allé au marché aux oiseaux
Et j’ai acheté des oiseaux
Pour toi

mon amour        
Je suis allé au marché aux fleurs
Et j’ai acheté des fleurs
Pour toi
mon amour
Je suis allé au marché à la ferraille
Et j’ai acheté des chaînes
De lourdes chaînes
Pour toi
mon amour
Et puis je suis allé au marché aux esclaves
Et je t’ai cherchée
Mais je ne t’ai pas trouvée
mon amour

ALICANTE
Une orange sur la table
Ta robe sur le tapis
Et toi dans mon lit
Doux présent du présent
Fraîcheur de la nuit
Chaleur de ma vie.

LE JARDIN

Des milliers et des milliers d’années

Ne sauraient suffire

Pour dire
La petite seconde d’éternité
Où tu m’as embrassé
Où je t’ai embrassée
Un matin dans la lumière de l’hiver
Au parc Montsouris à Paris
A Paris
Sur la terre
La terre qui est un astre.


CET AMOUR
Cet amour
Si violent
Si fragile
Si tendre
Si désespéré
Cet amour
Beau comme le jour
Et mauvais comme le temps
Quand le temps est mauvais
Cet amour si vrai
Cet amour si beau
Si heureux
Si joyeux
Et si dérisoireTremblant de peur comme un enfant dans le noir
Et si sûr de lui
Comme un homme tranquille au millieu de la nuit
Cet amour qu faisait peur aux autres
Qui les faisait parler
Qui les faisait blêmir

Cet amour guetté
Parce que nous le guettions
Traqué blessé piétiné achevé nié oublié
Parce que nous l’avons traqué blessé piétiné achevé nié oublié
Cet amour tout entier
Si vivant encore
Et tout ensoleillé
C’est le tien
C’est le mien
Celui qui a été
Cette chose toujours nouvelle
Et qui n’a pas changé
Aussi vrai qu’une plante
Aussi tremblante qu’un oiseau
Aussi chaude aussi vivante que l’été
Nous pouvons tous les deux
Aller et revenir
Nous pouvons oublier
Et puis nous rendormir
Nous réveiller souffrir vieillir
Nous endormir encore
Rêver à la mort,
Nous éveiller sourire et rire
Et rajeunir
Notre amour reste là
Têtu comme une bourrique
Vivant comme le désir
Cruel comme la mémoire
Bête comme les regrets
Tendre comme le souvenir
Froid comme le marbre
Beau comme le jour
Fragile comme un enfant
Il nous regarde en souriant
Et il nous parle sans rien dire
Et moi je l’écoute en tremblant
Et je crie
Je crie pour toi
Je crie pour moi
Je te supplie
Pour toi pour moi et pour tous ceux qui s’aiment
Et qui se sont aimés
Oui je lui crie
Pour toi pour moi et pour tous les autres
Que je ne connais pas
Reste là
Lá où tu es
Lá où tu étais autrefois
Reste là
Ne bouge pas
Ne t’en va pas
Nous qui sommes aimés
Nous t’avons oublié
Toi ne nous oublie pas
Nous n’avions que toi sur la terre
Ne nous laisse pas devenir froids
Beaucoup plus loin toujours
Et n’importe où
Donne-nous signe de vie
Beaucoup plus tard au coin d’un bois
Dans la forêt de la mémoire
Surgis soudain
Tends-nous la main
Et sauve-nous

DÉJEUNER DU MATIN
Il a mis le café
Dans la tasse
Il a mis le lait
Dans la tasse de café
Il a mis le sucre

Dans le café au lait
Avec la petite cuiller
Il a tourné
Il a bu le café au lait
Et il a reposé la tasse
Sans me parler
Il a allumé
Une cigarette
Il a fait des ronds
Avec la fumée
Il a mis les cendres
Dans le cendrier
Sans me parler
Sans me regarder
Il s’est levé
Il a mis
Son chapeau sur sa tête
Il a mis son manteau de pluie
Parce qu’il pleuvait
Et il est parti
Sous la pluie
Sans une parole
Sans me regarder
Et moi j’ai pris
Ma tête dans ma main
Et j’ai pleuré

LE CANCRE

Il dit non avec la tête
Mais il dit oui avec le coeur

Il dit oui à ce qu'il aime

Il dit non au professeur

Il est debout

On le questionne

Et tous les problèmes sont posés

Soudain le fou rire le prend

Et il efface tout

Les chiffres et les mots

Les dates et les noms

Les phrases et les pièges
Et malgré les menaces du maître
Sous les huées des enfants prodiges
Avec des craies de toutes les couleurs

Sur le tableau noir du malheur
Il dessine le visage du bonheur.
                                    JACQUES PREVERT

COMPOSITION FRANÇAISE

Tout jeune Napoléon était très maigre
et officier d’artillerie
plus tard il devint empereur
alors il prit du ventre et beaucoup de pays
et le jour où il mourut il avait encore
du ventre
mais il était devenu plus petit.
                     JACQUES PREVERT

TAKASHI MURAKAMI – L'univers manga à Versailles
Le plasticien japonais Takashi Murakami s'invite cet automne à Versailles, malgré quelques protestations. Contrairement aux apparences, l'artiste qui s'inspire et détourne l'univers manga, n'est pas l'héritier du Pop Art. Ses fleurs et ses monstres gentils sont d'autant plus souriants qu'ils sont critiques de la société actuelle

Une exposition exceptionnelle va s'ouvrir le 14 septembre et ce jusqu'au 12 décembre prochain au château de Versailles. L'artiste japonais Takashi Murakami (AFP) y exposera une vingtaine d'œuvres dont neuf créations dans les grands appartements, la galerie des glaces et les jardins de l'ancienne demeure de Louis XIV.

Un artiste qui dérange …
Le plasticien né dans les années 1960, se réjouit de pouvoir confronter ses œuvres inspirées de la culture manga au classicisme versaillais. D'autant plus que ce genre d'exposition ne serait pas possible au Japon : "la famille impériale ne veut pas de confrontation avec la modernité. Ce n’est pas un a priori négatif, c’est un principe ! Et d’ailleurs, la droite extrême serait furieuse, donc il ne faut pas y compter" Pourtant, même en France, l'arrivée de l'art contemporain dans l'un des plus importants monuments de l'histoire française ne fait pas l'unanimité. Plusieurs pétitions ont été lancées et une manifestation aura lieu le 14 septembre pour empêcher cette exposition. Jean-Jacques Aillagon, président de l'établissement public du Château de Versailles, estime que ces protestations "émanent de cercles d'extrême-droite intégristes et de cercles très conservateurs". L'ancien ministre de la Culture assure que les œuvres ont été choisies avec le plus grand soin pour ne pas choquer le plus jeune public.

… qui confronte …
Takashi Murakami est peut-être connu pour ses fleurs et ses ballons aux couleurs criardes et ses petits monstres kawaii (mignons) –Mr DOB, Kakai, Kiki …- mais l'artiste n'utilise les codes manga que pour mieux choquer. Sa sculpture My Lonesome cowboy – vendue en 2008 13.5 millions de dollars par Sotheby's – représente ainsi un jeune homme aux cheveux hirsutes se masturbant et utilisant un jet de sperme comme lasso. Versailles ne présentera pas l'œuvre, préférant se passer de ce genre de publicité, deux ans après avoir déjà fait polémique avec une exposition Jeff Koons. La venue de Takashi Murakami dans le château du Roi soleil a peut-être de quoi étonner mais pour cet amoureux des bandes dessinées japonaises, c'est presque une évidence, le manga La rose de Versailles avait déjà travaillé son imaginaire fertile. "Tout comme les Français peuvent avoir du mal à recréer dans leur esprit une image exacte de l’époque des Samouraïs, l’histoire de ce palais s’est étiolée pour nous dans la réalité.", explique l'artiste à l'éternel bouc et chignon. Murakami avertit les futurs spectateurs : "Je suis le chat du Cheshire qui accueille Alice au pays des merveilles avec son sourire diabolique, et bavarde pendant qu’elle se balade autour du Château.".

… qui critique et qui se vend !
Le fils d'un chauffeur de taxi et d'une femme au foyer amatrice d'art est un des artistes contemporains les plus connus au monde. Pape du mouvement Superflat, neo-pop japonais inspiré par le manga, ses œuvres (sculptures, tableaux, animations) se veulent très critiques des codes de la société contemporaine japonaise. Murakami repeint ainsi d'une couleur layette des reproductions de parties génitales pour se moquer de l'immaturité nippone. Son Lonesome Cowboy n'est qu'une représentation symbolique de la génération otaku : ces jeunes qui s'isolent dans un monde imaginaire pour ne pas affronter la réalité. "J'exprime le désespoir", affirme-t-il. Le manga, issu de la pauvreté japonaise, est son arme de choix mais passé maître dans l'art Nihonga (peinture japonaise du 19e-20e siècle), Murakami détourne également les œuvres des grandes figures de l'art nippon. Si l'ultraconsumérisme japonais est pour lui une source inépuisable d'inspiration, il en use aussi pour construire son empire. Les produits dérivés ciglés Murakami sont légion et son entreprise Kakai Kiki Corporation emploie une centaine de personnes. La marque de luxe Louis Vuitton l'avait même choisi pour apporter son style si particulier à sa collection 2004. Le plasticien superstar contribue également au renouveau de la scène artistique japonaise en endossant le costume de commissaire d'exposition et en sponsorisant de nouveaux artistes comme Chiho Aoshima.
Si la présence de Takashi Murakami à Versailles peut choquer certains, elle n'a rien d'étonnante. Après tout, comme le souligne Jean-Jacques Aillagon "le château de Versailles est un monstre international. Takashi Murakami l'est également" et tous deux sont "des machines à inventer et à diffuser des images".

Extrait de  http://www.lepetitjournal.com/ 

rédigé par Damien Bouhours

vendredi 10 septembre 2010

ARÈS


Origine
Il est le fils de Zeus et d'Héra (qui tous deux, paraît-il, le détestaient!), comme Héphaïstos, Hèbè et Ilithye. Il appartient donc à la deuxième génération des dieux Olympiens et compte parmi les douze grands dieux.

Dès la littérature archaïque (Homère) Arès apparaît comme le dieu de la guerre, ou, plus exactement, de la fureur guerrière, qui se réjouit dans le carnage et le sang (Homère, Iliade). C'est pourquoi on lui donne parfois comme mère Éris, divinité de la Querelle, pour expliquer son humeur brouillonne et belliqueuse ; mais il est aussi lâche quand il souffre, il gémit et fuit quand il est blessé (Homère, Iliade). Zeus, en ce cas, ne le plaint guère... (Homère, Iliade) Selon les mythologues, il est aussi personnification de l'orage. En dehors des combats, il représente tout fléau mortel pour les mortels, ainsi, par exemple la peste (Sophocle, OEdipe-Roi)

Il a une taille surhumaine (sept plethres, soit deux cents mètres!) et pousse des cris terribles.
On le représente muni d'une cuirasse et d'un casque et armé du bouclier, de la lance et de l'épée. Il combat le plus souvent à pied mais on le voit aussi sur un char dont les chevaux l'emportent avec une rapidité impétueuse. Il est accompagné de démons qui lui servent d'écuyers, en particulier de deux de ses enfants, les jumeaux qu'il a eus d'Aphrodite, Deimos et Phobos (l' Épouvante et la Terreur) (Hésiode, Le Bouclier). Il est également accompagné d'Éris (Discorde, Querelle). Les Grecs n'aimaient pas beaucoup Arès, contrairement aux Romains qui honoraient Mars, son équivalent latin . Aucune cité ne lui était dédiée et l'on disait de lui qu'il vivait en Thrace, pays sauvage au climat rude du Nord de la Grèce, d'où viennent les frimas et les tempêtes et traversé par des populations guerrières ; c'était là que vivaient les Amazones, femmes guerrières, ses filles (Apollonios de Rhodes, Argonautiques). À Thèbes il reçoit un culte particulier car il passait pour être l'ancêtre des descendants de Cadmos, fondateur de la ville. Quand celui-ci, pour accomplir un sacrifice, voulut puiser de l'eau à la "source d'Arès" il tua le dragon qui défendait cette source (Euripide, Phéniciennes). Pour ce meurtre Cadmos dut servir Arès comme esclave pendant huit ans.
La plupart des mythes qui font intervenir Arès sont évidemment des récits de combats ; mais le dieu n'a pas toujours le dessus (Homère, Iliade) et il semble que les Grecs aient pris un certain plaisir à lui opposer victorieusement la sagesse d'Athéna entre autres. Pendant la guerre de Troie, Arès a choisi le camp des Troyens comme Aphrodite, qui l'aimait, et, à deux reprises, sous les murs de Troie, l'intervention d'Athéna dans une mêlée où figure Arès aboutit à un échec pour ce dernier. D'ailleurs, entre Athéna et Arès la lutte est insolite : c'est d'abord la défaite du viril dieu de la guerre, ensuite la façon dont il est vaincu ; au lieu, en effet, d'une arme noble c'est un engin primitif (une énorme pierre) qui le met hors de combat (Homère, Iliade). Pendant qu'il se lamente et gît dans la poussière, Aphrodite, volant à son secours, est abattue par une arme encore plus primitive : une formidable claque d'Athéna (Homère, Iliade).

Mais les mésaventures d'Arès ne se bornent pas au domaine des combats. Par exemple, tenu pour responsable de la mort d'Adonis à la chasse par les Aloades (deux fils géants de Poséidon) ceux-ci l'enferment, enchaîné, pendant treize mois dans un pot de bronze dont Hermès finit par le libérer (Homère, Iliade).
Il eut un grand nombre d'aventures amoureuses dont la plus célèbre le montre uni clandestinement à Aphrodite ; il est vrai que celle-ci avait été mariée par Zeus à Héphaïstos ; or, le dieu forgeron était laid et difforme et Aphrodite était tombée amoureuse d'Arès. À noter ici une différence entre l'Iliade et l'Odyssée : dans l'Iliade Héphaïstos est l'heureux époux de Charis et Aphrodite n'a que peu de rapports avec Arès ; en revanche, dans l'Odyssée l'aède Démodocos rapporte un conte traditionnel chez les rhapsodes en Ionie. Lorsqu'Héphaïstos apprend du soleil sa mésaventure, il laisse tomber une nuit sur les deux amants un filet qu'il est seul capable de manoeuvrer et convie tous les dieux de l'Olympe qui, à ce spectacle sont pris d'un immense fou-rire. Sur l'intervention de Poséidon, Héphaïstos retire le filet et les deux amants, tout confus s'enfuient, l'une vers Chypre et l'autre vers la Thrace...(Homère, Odyssée)
Ses liaisons avec les mortelles furent aussi très nombreuses et ses enfants étaient des hommes violents qui attaquaient les voyageurs et se livraient à toute sorte d'actes de cruauté. L'un d'entre eux, Cycnos, s'attaquait aux pèlerins se rendant à Delphes. Sur la prière d'Apollon Héraklès intervient et tue Cycnos. Arès veut venger son fils mais Athéna dévie sa javeline et Héraklès blesse le dieu à la cuisse (Hésiode, Le Bouclier).

Enfin le nom d'Arès se retrouve dans la colline de l'Aréopage à Athènes où se jugeaient les crimes d'ordre religieux. La légende raconte qu'il y avait jadis une source au pied de cette colline ; un jour, près de celle-ci, Arès aperçut Halirrhothios, fils de Poséidon, tentant de faire violence à l'une de ses filles, Alcippé. De colère Arès tue Halirrhothios. Poséidon fait alors comparaître Arès devant un tribunal d'Olympiens réuni sur la colline (Euripide, Électre) mais ceux-ci acquittent le meurtrier.

Attribut ►
Les animaux consacrés à Arès sont le vautour et le chien; mais c'était faire injure au chien que de le choisir comme animal d'Arès.

Équivalent romain : Mars

Mars et Vénus de Boticelli

MARS

Nous l'avons signalé ; les Romains honoraient Mars bien plus que les Grecs n'aimaient Arès. De nombreuses différences apparaissent, de fait, entre Mars et Arès et ce n'est qu'assez tard que le dieu romain fut identifié à l'Arès hellénique.
D'origine italique Mars préexista à l'introduction d'Arès dans la religion romaine. Son nom, dont le sens est inconnu, avait pris tout d'abord la forme de Mavors, Marspiter (Macrobe, Saturnales) ou Mamers (de l'étrusque Maris). Il semble avoir été à l'origine un dieu agraire et, à une époque très ancienne, il fut identifié au dieu de la végétation, Silvanus. Selon une tradition romaine, Junon l'avait enfanté sans le secours de Jupiter ; jalouse, en effet, de la naissance de Minerve, jaillie spontanément de la tête de Jupiter, Junon avait voulu à son tour concevoir seule un enfant. Elle s'adressa à Flore, déesse des jardins et des champs cultivés, qui lui donna une fleur magique dont le simple attouchement rendait une femme féconde (Ovide, Fastes). C'est ainsi que Junon donna le jour au dieu dont le nom est porté par le premier mois du printemps. Notons que ce Martius mensis était, dans l'ancien calendrier romain, le premier mois de l'année (Ovide, Fastes et Macrobe, Saturnales). Une légende, qui semble d'origine italique, rapporte que Mars, tombé amoureux de Minerve, avait choisi comme intermédiaire la vieille Anna Perenna, une déesse locale du Latium, qui dupa le dieu en se substituant à Minerve lors d'un rendez-vous nocturne (Ovide, Fastes). Il y aurait là le symbole de la vieille année qui s'en va lorsque commence la nouvelle. Ce dieu agraire aidait les paysans du Latium à défendre leurs cultures et leurs troupeaux. On lui avait donc consacré, pour qu'il les écarte des moissons et des bergeries, tous les animaux que l'on craint à la campagne, en particulier le loup ; mais le pivert, annonciateur de pluie, était son oiseau favori.
Cette caractérisation de Mars comme dieu primitivement agraire, est contestée par certains mythographes. En tout cas, à l'époque classique, quand Rome devient une grande puissance militaire, ce dieu du printemps est essentiellement un dieu guerrier (Virgile, Énéide). Mais il faut noter que c'est au printemps que recommence la saison de la guerre. Il est en même temps le dieu de la jeunesse parce que la guerre est l'objet de l'activité de la jeunesse. Il était particulièrement révéré par l'armée, ce qui lui valut le surnom de Gradivus (= "qui s'avance à grands pas" [au combat] ou, selon d'autres, "qui fait pousser" [les moissons])

Ce dieu de la jeunesse guide, lors du ver sacrum (le printemps sacré) les jeunes gens qui émigrent des cités sabines pour aller fonder de nouvelles villes. En effet, les Sabins, en cas de grave malheur, consacraient à Mars, en propriété absolue, toute la production végétale, animale et même humaine du printemps suivant. En ce qui concerne les enfants, devenus grands et alors considérés comme "sacrés", c'est-à-dire mis en dehors de la communauté, ils partaient, guidés en général par un animal consacré à Mars, le loup ou le pivert, en quête d'une nouvelle patrie où ils puissent s'établir par la force des armes et grâce à la protection du dieu de la guerre auquel ils étaient voués. L'histoire romaine nous apprend que les Romains, après le désastre de Trasimène ( 217) décidèrent de consacrer, à la manière sabine, un ver sacrum mais à Jupiter; mais ils ne s'acquittèrent de leur voeu que...vingt-deux ans plus tard, incomplètement (uniquement les productions végétales et animales) et, à une époque où le désordre régnait dans le calendrier, le voeu fut "accompli" en hiver, c'est-à-dire avec beaucoup d'économie !
Peut-être faut-il rattacher aussi à la tradition sabine la fameuse légende de Romulus et de Rémus sauvés par une louve. Rappelons cette légende : Albe-la-Longue, jadis fondée par le fils d'Énée, Ascagne, vit son roi Numitor dépossédé de son trône par son frère Amulius. Celui-ci fit périr tous les fils de Numitor et voua sa fille, Rhéa Silvia, au culte de Vesta, la vouant ainsi à la virginité. Mais celle-ci, par sa beauté, séduisit le dieu Mars qui l'aperçut un jour se rendant à la fontaine; il la rendit mère, pendant son sommeil, de jumeaux, Romulus et Rémus (Ovide, Fastes)). L'ayant appris, Amulius fit enfermer la mère et exposer les deux bébés dans des marécages près du Tibre en crue (Tite-Live, Histoire romaine) ou sur le sommet du mont Palatin, selon les légendes. Une louve, animal sacré, envoyée par leur père, les nourrit (Virgile, Énéide) avant qu'ils soient recueillis par un berger et sa femme, qui les élevèrent jusqu'au moment où ils purent rendre son trône à Numitor et fonder Rome. On a signalé que cette légende devait s'être développée autour d'une statue très ancienne figurant une louve à l'abri de laquelle se dressait l'image de deux petits hommes, symbolisant peut-être la race sabine et la race latine. En tout cas, dans la religion d'État, à Rome, le culte de Mars revêt la plus haute importance puisqu'il aurait ainsi fondé la race romaine (Virgile, Énéide), et c'est la raison pour laquelle la jeunesse romaine était souvent appelée "enfants de Mars".
Le dieu donna aussi son nom au Champ de Mars, sur lequel les jeunes Romains s'exerçaient à la guerre. C'est également au Champ de Mars que se faisaient, tous les cinq ans (période appelée lustre) le recensement et la purification du peuple (lustrum ou lustratio), au cours desquels on célébrait les suovetaurilia, triple sacrifice d'un verrat, d'un bélier et d'un taureau offert au dieu Mars (Tite-Live, Histoire romaine).

Le culte de Mars était essentiellement représenté par un collège de prêtres, choisis parmi les patriciens, appelés Saliens (= les "sauteurs" ou "danseurs"). Tous les ans, à la fête du dieu, ces prêtres, vêtus d'une tunique de pourpre et portant sur la tête un bonnet pointu (apex) exécutaient, au cours d'une procession dans les rues de la ville, (Tite-Live, Histoire romaine) des danses sacrées, peut-être, à l'origine, en l'honneur de divinités rustiques. Mais, dès le règne de Numa, ils rythmaient la cadence de leurs pas par des coups frappés avec une lance sur des boucliers mystérieux appelés "anciles"; ces boucliers et les lances, conservés dans le sacrarium Martis de la Regia (résidence du Pontifex Maximus) étaient censés posséder un pouvoir d'oracle : le mouvement spontané des lances (hastæ) était un présage inquiétant. La légende prétendait qu'un de ces boucliers était un jour tombé du ciel comme gage de la protection des dieux sur Rome. Craignant de voir ses compatriotes privés par quelque audacieux ennemi de cet objet sacré qui leur assurait la protection des dieux, Numa en fit fabriquer onze autres exactement identiques ; les douze boucliers restaient suspendus pendant le reste de l'année dans le temple de Mars et confiés à la garde des prêtres saliens, sans qu'on pût distinguer le bouclier miraculeux des autres (Ovide, Fastes). La procession s'achevait par un repas dans le temple du dieu.
Quant aux anciens Sabins, ils adoraient Mars sous l'effigie d'une lance (quiris) ; d'où le nom de Quirinus donné à Romulus après sa mort et sa divinisation, et celui de Quirites employé lorsqu'on s'adressait officiellement à l'ensemble des citoyens romains.
À Rome se trouvaient plusieurs temples consacrés à Mars ; un des plus importants était celui qu'Auguste lui dédia sous le nom d'Ultor (le Vengeur) pour commémorer le rôle de l'empereur dans sa victoire sur les assassins de Jules César, Brutus et Cassius.

Donc le dieu Mars, en ordre d'importance, venait pour les Romains juste après Jupiter ; il se trouve, en effet, en seconde position dans la triade Jupiter-Mars-Quirinus, et ses attributs sont le bouclier, la lance et le casque. Des légions, une surtout, (Cicéron, Philippiques), lui étaient consacrées et, au début d'une campagne, le général ne manquait pas d'entrer dans le temple où l'on conservait les "anciles" ; il venait y faire bouger d'abord ceux-ci, puis la lance et la statue du dieu et disait, en frappant les boucliers de sa lance : "Mars, aie l'oeil bien ouvert" (Mars, uigila).
Dans le domaine littéraire, les aventures prêtées à Mars ont reproduit peu à peu celles rapportées par la littérature grecque pour Arès, comme, par exemple, les amours de Mars et de Vénus (Ovide, Métamorphoses). Mais nulle part, on ne trouve l'équivalent du côté lâche et geignard de son correspondant hellénique Arès.

Mars et Venus pris dans le filet de Vulcain
(1536)d'après Maerten Van Heemskerk

Outre les Romains, d'autres peuples avaient le dieu pour "ancêtre" : les Marses, population sabine avec laquelle les Romains furent longtemps en lutte, ou les Mamertins ; leurs noms mêmes indiquent les rapports qui les unissaient avec le dieu.

LA LITTÉRATURE SATIRIQUE (XIIe et XIIIe SIÈCLES)

LE ROMAN DE RENART
Au Moyen-Âge, les chansons de geste et les romans courtois reflétaient la sensibilité d’une société aristocratique. Avec la littérature satirique, c’est l’esprit populaire qui s’exprime. Sa naissance correspond à l’essor des villes marchands et au développement de la bourgeoisie. Cette littérature satirique est représentée par deux productions principales: le Roman de Renart et les Fabliaux. Il s’agit de récits en vers, destinés à faire rire, même si certains contiennent aussi une critique de la société. La littérature satirique a touché un très vaste public.
En plein Moyen-Âge, dans la seconde moitié du XIIe siècle, un clerc, nommé “Pierre de Saint-Cloud” écrit un grand poème qui raconte la rivalité entre un goupil appelé Renart et un loup appelé Ysengrin. Tout de suite c’est le succès, bien qu’il n’y ait pas encore de livres (l’imprimerie sera inventée trois siècles plus tard). Ce sont des trouvères et des jongleurs qui en récitent les épisodes dans les villes, les campagnes et les châteaux.

Pierre de Saint-Cloud n’a pas inventé son sujet; il puise dans de très nombreuses fables et autres contes d’animaux d’origine latine ou germanique qui circulent au Moyen-Âge. Mais il donne à ses histoires un accent si personnel et convaincant qu’il lance une mode et est aussitôt imité par d’autres auteurs. Quinze grands récits nouveaux apparaissent en 30 ans; on les appelle des “branches”, probablement parce qu’il se sont ajoutés au tronc initial formé par l’oeuvre de Pierre de Saint-Cloud. Mais ces branches sont assez différentes les unes des autres selon les auteurs. Alors, au début du XIIIe siècle, on a l’idée de rassembler les meilleurs épisodes en une histoire cohérente. Comme elle est écrite en “roman”, cela devient le Roman de Renart. Il se compose en tout de 25 branches écrites en octosyllabes (vers de huit pieds) et l’ensemble fait plus de 100.000 vers.
Le Roman de Renart est une sorte d’épopée familière où la société des hommes est remplacée par celle des animaux. Les bêtes parlent, portent des vêtements, montent à cheval, forment des familles et constituent autour du roi, le lion Noble, une société organisée, calquée sur la société féodale. Les auteurs du Roman peuvent ainsi indirectement se moquer des institutions du temps et de l’autorité des puissants dont ils soulignent les abus. Faire de l’ours un prêtre qui chante la messe, c’est parodier la religion, ses rites et les superstitions qu’elle peut provoquer. Montrer le jugement injuste du roi Noble qui prend tout le butin au cours d’un faux partage, c’est critiquer le pouvoir abusif du suzerain. Le petit peuple du XIIe et du XIIIe siècle s’amuse et prend sa revanche lorsque Renart, par sa ruse, triomphe des puissants. Les aventures du goupil n’ont donc pas seulement pour but de distraire; elles présentent un tableau, parfois une caricature, de la société du Moyen-Âge, et à travers les animaux ce sont les hommes qui sont visés.
Les principaux héros de cette époque comique restent les mêmes tout au long des 25 histoires. Les uns ont des noms d’origine germanique; ce sont le goupil, surnommé Renart, le loup Ysengrin, l’ours Bruno, l’âne Bernard, le blaireau Grimbert, le chat Tibert, le corbeau Tiécelin, le moineau Drouïn. D’autres portent des noms français et symboliques, tirés du caractère ou de l’aspect physique de ces animaux: Noble le lion, Fière ou Orgueilleuse la lionne, Chanteclerc le coq, Couart le lièvre, Bruiant le taureau, Belin le mouton, Pelé le rat, Tardif le limaçon.
On peut distinguer quatre grandes familles►
1. La famille du lion:
Noble, le roi empereur
Dame Fière ou Orgueilleuse, la reine
Le prince lionceau
2. La famille du loup:
Ysengrin, commendant de l’armée royale du roi
Primaut, son frère
Dame Hersent, sa femme
Pinçart, son fils
3. La famille du goupil:
Renart, seigneur de Maupertuis
Richeut, sa femme, appelée aussi du nom plus noble de dame Hermeline
Leurs trois enfants.
4. La famille du coq:
Chanteclerc, maitre du “gélinier”(c’est le poulailler, les poules sont des gélines)
Pinte, sa compagne préférée
Copée (ou Copette), Roussette, Blanche, Noirette, soeurs de Pinte.

LE RÉSUMÉ
L’histoire commence à la naissance de Renart et d’Ysengrin. Après avoir été chassés du paradis terrestre, Adam et Eve ont reçu de Dieu une baguette, au moyen de laquelle ils peuvent, en frappant la mer, obtenir ce qu’ils désirent. Adam fait sortir des flots des animaux utiles, et Eve des animaux nuisibles; c’est ainsi qu’Ysengrin et Renart lui doivent la vie. Bientôt, Renart devient le principal héros de l’histoire.
Renart s’en prend d’abord à des animaux plus faibles que lui, mais il est dupé par chacun d’eux. Tiécelin, le corbeau, laisse bien tomber son fromage dans la gueule de Renart mais il échappe au goupil qui voulait le manger; Tibert, le chat, fait tomber Renart dans un piège où celui-ci comptait le prendre. L’esprit du roman est bien la revanche des petits sur les puissants, et bientôt, à son tour, Renart va triompher de plus puissant que lui (le loup, l’ours et le lion).
Dans sa lutte contre Ysengrin, Renart sort toujours vainqueur. Un épisode raconte par exemple comment le loup flaire l’odeur de poissons que renart fait cuire. Renart le persuade que pour pêcher d’aussi beaux poissons il n’a qu’à s’attacher un seau à la queue et la plonger dans l’eau du lac. Or, on est en hiver, l’eau gèle et Ysengrin reste prisonnier de la glace. Il n’échappe que de justesse aux chasseurs venus le tuer.
Un jour, poursuivi par ses ennemis, Renart tombe dans une cuve de peinture jaune. Devenu méconnaissable, il se fait jongleur. Sa femme, dame Hermeline, le croyant mort, veut se remarier avec Grimbert, le blaireau. Mais Renart survient au millieu de la noce et punit celle qui voulait l’oublier trop vite.

Renart accumule les mauvais tours. Les autres animaux le mettent en accusation devant Noble, le roi. Renart se présente humblement devant le roi, il avoue ses fautes et demande, pour les expier, de pouvoir faire un pèlerinage en terre sainte. Ainsi, il échappe une fois de plus à ses adversaires.

La chanson de Roland mise à part, les chansons de geste n’ont guère survécu au public pour lequel elles avaient été écrites. Au contraire, le Roman de Renart n’a jamais été oublié. Il a été traduit en de nombreuses langues et on en retrouve des traces jusque chez La Fontaine au XVIIe siècle. De nos jours encore, les remarques faites sur les défauts des hommes à travers le comportement des animaux (orgueil, ambition, jalousie, injustice) sont choses courantes. Le succès vient aussi du comique des situations où la bêtise est toujours punie. Le roman exalte la ruse sous toutes ses formes et le rire ne va pas parfois sans méchanceté ni cruauté pour les victimes qui y laissent parfois leur vie.

Saviez-vous qu’autrefois le renard, ce petit animal à poils bruns, intelligent et voleur s’appelait un goupil? “Renart” est le nom propre du goupil du Roman de Renart. Très vite ce livre est tellement connu en France et à l’étranger que les gens se sont mis à appeler le goupil “Renart”. Et, petit à petit, le mot goupil a disparu du français. On a utilisé à la place le mot renard (avec un “d” à la fin).

Ce qui rend célèbre et spéciale cette oeuvre c’est que le Roman de Renart a pour but de se moquer des hommes. Il les montre comme ils sont vraiment: méchants, bêtes, voleurs, peureux et vaniteux. Le livre montre aussi tout ce que la vie avait de mauvais au Moyen-Âge. Le Roman de Renart se moque aussi des autres livres de ce temps-là, où les gens sont toujours forts, courageux, gentils et honnêtes. En lisant l’oeuvre on découvre la vie à la campagne, en France, au Moyen-Âge. On apprend comment y vivent les animaux et les hommes.
Tout au long de l’histoire, on lit une parodie de la société féodale et des moeurs aristocratiques. Le roman de Renart, nous parle des audaces de pensée et de langage, de la liberté d’esprit de l’époque à l’égard de la religion, de la morale, de l’amour, de la guerre...

LES PERSONNAGES

• RENART

Le personnage central est le goupil (du latin vulpes), plein de malice et de ruse, toujours prêt à une nouvelle fourberie, et qui, de plus, ne manque jamais de tourner ses victimes en dérision. C’est aussi celui qui trompe son monde pour préserver sa liberté. Ses tours ridiculisent les grands, les riches, les puissants, les sots. Il se moque des principes et des règlements, ne misant que sur la vie et la réalité. Il incarne la ruse intelligente liée à l’art de la belle parole. Ses aventures mettent en scène un monde aux caractéristiques largement mais pas totalement anthropomorphiques: “la queue souvent dépasse de l’armure”.
Il eut un tel succès populaire que son nom deviendra nom commun, remplaçant, dans la langue parlée, celui de “goupil” qui tombera, peu à peu, en désuétude.
Messire Renart vit à Maupertuis. Marié à Hermeline la goupille, il a au départ deux fils nommés “Percehaie” et “Malbranche”. Plus tard, viendra un troisième fils nommé “Renardel”.
Il ne faut pas nier que Renart dénonce la faim, la violence, la bêtise mais ne propose rien, ce n’est pas son affaire. Il représente le petit peuple, toujours prêt à mille “jongleries” pour survivre.

• YSENGRIN

C’est le loup bête et cruel, éternel ennemi de Renart, toujours dupé. Son épouse Dame Hersent la louve, fut jadis violée par Renart, d’où une éternelle rancoeur. Il représente la bourgeoisie qui est lourde et patentée.
“Le roman de Renart est la lutte du goupil (Renart) contre le loup (Ysengrin), c’est-à-dire de la ruse contre la force. À cette lutte prennent part tous les animaux, individualisés dans des noms et des caractères qui demeurent jusqu’à la fin de l’oeuvre.

• AUTRES PERSONNAGES

Personnages principaux
Noble, le lion
Fière, la lionne
Beaucent, le sanglier
Belin (ou Bellyn), le bélier
Baudoin (ou Bokart), l’âne: secrétaire du roi-lion
Brun (ou Bruno ou Bruin), l’ours (d’après la couleur de sa robe)
Chanteclair, le coq
Couard, le lièvre
Eme, le singe: époux de Dame Rukenawe, la guenon
Hersent, la louve: épouse d’Ysengrin qui est “violée” par Renart
Grimbert, le blaireau (le taisson): cousin et défenseur de Renart; c’est aussi son seul ami
Grymbart, la renarde: soeur de Renart
Ermelyne (ou Dame Hermeline), la brebis: épouse de Bellyn. Elle a deux soeurs: Dame Atrote et Dame Weasel.
Dame Rukenawe, la guenon: épouse d’Eme, le singe et tante de Renart.
Elle aura deux gars: Bytelouse et Fulerompe que Renard s’empressera de croquer.
Tibert, le chat
Tiecelin, le corbeau
Personnages secondaires
Blanche, l’hermine (parfois confondue avec Hermeline)
Brichemer, le cerf: le sénéchal
Bernard, l’âne
Corbant, le freux et son épouse, Dame Sharpebek
Coupée, la géline
Courtois (ou Courtoys), petit chien
Drouïn, le moineau
Hubert, l’escoufle (milan)
Firapel, le léopard
Jacquet, l’écureuil
Dame Mésange, le mésange
Musart, le chameau: légat du Pape
Ordegale, femme castor
Pantecroet, la loutre
Roonel, le mâtin (gros chien)
Tardif, le limaçon
Vader de lantfert: fils de Dame Pogge de Chafporteet de Macob
Rohart, le corbeau

LES TEXTES
Le Roman de Renart n’est pas un roman à proprement parler, mais un ensemble disparate de récits en octosyllabes de diverses longueurs, appelés dès le Moyen-Âge “BRANCHES”. La branche la plus ancienne est attribuée à Pierre de Saint-Cloud, érudit, qui fit paraitre dans la première moitié du XIIe siècle “Les enfaces Renart”(L’enfance de Renard – Branche II). Dès le XIIIe siècle les branches sont regroupées en recueils, apportant une certaine unité.
Richard de Lison est le second auteur clairement identifié.
Selon l’érudit Lucien Foule, la composition de l’oeuvre s’échelonne de 1174 à 1250. Vingt-huit auteurs indépendants y ont collaboré, dont seulement deux ont tenu à nous transmettre leur nom. Ces écrivains ont réalisé une oeuvre maitresse, et à succès.
Rutebeuf a écrit un "Renart le bestourné", et Jacquemart Gelée de Lille, un "Renart Le Nouvel". Le Couronnement de Renart (anonyme) date de la seconde moitié du XIIIe siècle. Au XIVe siècle, on réécrit deux fois Renart le Contrefait; la première est l’oeuvre d’un commerçant en épices; la seconde, véritable somme ne compte pas moins de 40.000 vers (produits entre 1319 et 1342).
En 2004, quatre fabliaux renardins ont encore été produits.
Donc neuf siècles après sa naissance, Renart le malin vit toujours, tout au moins dans les livres.

LES BRANCHES
 Branche I :
Si conme Renart manja le poisson aus charretiers, (Comment Renard mangea le poisson des charretiers), jugement de Renart, Siège de Malpertuis. Renart Teinturier.
 Branche II:
Les enfaces Renart, (L’enfance de Renard) de Pierre de Saint-Cloud.
 Branche III:
Si conme Renart fist Ysengrin moine, (Comment Renard fit Ysengrin Moine).
 Branches IV-VI:
Le Puits. Chanteclerc. La Mésange. Tibert. Les deux prêtres, les Béliers, la femme du vilain.
 Branches VII-IX:
Renart et le Corbeau. Le viol d’Hersent. L’éconduit (l’escondit). Le duel de Renart et d’Ysengrin. Le pèlerinage de Renart.
 Branches X-XI:
Liétard. Renart et la mort de Brun. Les Vêpres de Tibert.
 Branches XII-XVII:
Les poissons dérobés. Moniage d’Ysengrin et la pêche au seau. Le labourage en commun et la collaboration de Renart à l’oeuvre du Roi Connin. La confession de Renart. Ysengrin et le prêtre Martin. Ysengrin et la Jument. Le Bacon enlevé.
 Branches XVIII-XIX:
La mort de Renart. Le partage du lion. Renart médecin.
 Branche XX:
Renart empereur.
 Branche XXIV:
La naissance de Renart (seconde version).

EDUCATION EN FRANCE
Dans un livre choc, le journaliste anglais Peter Grumbel dénonce le système français d’éducation, élitiste et passéiste, formidable machine à broyer les élèves et à saper leur confiance en eux.
12 millions d'élèves viennent de faire leur rentrée et, si l'on en croit la lecture du livre de Peter Grumbel, grand reporter pour Time Magazine à Paris et professeur à Sciences Po, les parents ont du souci à se faire. Dans On achève bien les écoliers, l'auteur part d'un constat implacable: 15% des élèves entrant en classe de sixième ne savent pas correctement lire et écrire. 130 000 jeunes quittent l’école chaque année sans diplôme ni qualification. Les jeunes Français n’obtiennent que des scores médiocres lors de tests comparatifs internationaux, et l'égalité des chances en fonction du milieu d'origine n'est absolument pas assurée.

Peur de l'échec, stress, rien ne va plus
Si le diagnostic n'est pas nouveau, Peter Grumbel apporte un regard neuf sur les causes de ces échecs. Selon lui, la "caractéristique qui saute aux yeux de n’importe quel étranger qui découvre les écoles françaises" est "la dictature de la salle de classe". "Les enfants français sont dans l’ensemble plus anxieux et intimidés dans une salle de classe et davantage angoissés par la peur de l’échec. Ils manquent de confiance en eux, même lorsqu’ils connaissent leurs leçons, et éprouvent le sentiment que leurs professeurs ne les aident pas". Peter Grumbel déplore aussi les ravages de la notation, "une culture qui n’hésite pas à mettre 0 à une mauvaise copie, mais ne mettra jamais 20 sur 20 à une excellente. Qui sanctionne chaque individu s’éloignant de la norme commune, plutôt que de valoriser le talent individuel." Passivité des classes, stress des élèves, manie du classement et de la sélection, fréquence des redoublements… "Pourquoi la France est-elle le seul pays au monde à décourager ses enfants au nom de ce qu’ils ne sont pas, plutôt qu’à les encourager en vertu de ce qu’ils sont ?"

Contre la "culture de la nullité"
Pour se débarrasser de cette "culture de la nullité", l'auteur propose 3 axes :
-Changer totalement le système de formation des enseignants. Il est primordial de les former aux "méthodes considérées comme efficaces à l'échelle internationale avec beaucoup d'heures de pratique et de simulation des cours"
-Plus d'autonomie pour les écoles et les enseignants
-Introduction de programmes d'échange des enseignants avec d'autres pays européens pour leur faire prendre conscience d'autres méthodes et d'autres cultures.
Pourquoi en effet ne pas s'inspirer des modèles qui marchent, et faire enfin à l'école sa révolution culturelle ? La Finlande a réussi à transformer son système éducatif avec succès. Selon l'auteur, elle "a utilisé des méthodes intelligentes se concentrant sur le bien-être individuel des élèves, en mettant l’accent sur le professionnalisme des enseignants, fortement encouragé, et en changeant radicalement la relation entre les écoles et les responsables des politiques éducatives". Alors, faut-il accorder toujours autant d'importance aux performances académiques ou faut-il laisser plus de place à l’épanouissement individuel, le développement de la créativité ou le renforcement de la confiance en soi ? Le débat est lancé.

Extrait de http://www.lepetitjournal.com/ vendredi 10 septembre 2010

(Peter Grumbel, On achève bien les écoliers, Grasset)

“A la Recherche du Temps Perdu”.

Les premiers volumes de cette oeuvre c’est une série de romans formée plus d’une dizaine de volumes. Les premiers volumes passent également innaperçues. C’est par la suite que les réactions positives arrivent. “A la Recherche du Temps Perdu” est le titre global d’un roman cyclique (long roman avec les mêmes personnages, les mêmes décors, il y a une suites dans les mêmes actions et personnages). Dans cette ouvre il parle de ses souvenirs il transmet ses idées.

• Du côté de chez Swann:
Première partie; Combray: le narrateur évoque son enfance dans le village de Combray.
Deuxième partie; Un Amour de Swann: Swann est un voisin, ami des parents du narrateur; il tombe amoureux d’une jeune fille nommée Odelette; la fille de Swann, après avoir été une compagne de jeu, devient le premier amour du narrateur.
Troisième partie; Noms de Pays: le nom, une série d’évocation à partir des noms de pays.

• A l’ombre des jeunes filles en fleurs:
Première partie; Autour de Madame Swann: La vie mondaine entre Combray et Paris. L’amour du narrateur pour Gilberte
Deuxième partie; Noms de pays: Rencontre d’Albertine

• Le côté de Guermantes:
Le charme et le mystère de la grande famille des Guermantes. Le narrateur réussit enfin à se faire introduire chez les Guermantes.

• Sodome et Gomorrhe:
Le dernier livre quand l’auteur est vivant. La jalousie du narrateur s’éveille à l’égard d’Albertine, il veut rompre puis l’épouser.

• La prisonnière:
Le narrateur raconte sa cohabitation avec Albertine pour qu’il éprouve tour à tour de l’ennuie et du désir mais qu’il n’aime pourtant plus, la jalousie lui reste.

• La fugitive:
Albertine s’enfuit, elle meurt accidentellement, souffrance du narrateur qui cherche à connaitre sa vraie vie en parlant avec ceux qu’elle a connus.

• Le temps retrouvé:
Livre de la recherche à l’état le plus inachevé, il donne l’impression que l’auteur a été pressé par la mort. L’ouvrage se termine par une reflexion sur le temps.

Le temps qui passe crée une corruption physique et morale
Il détruit l’homme
Le passé ne meurt jamais
Il est susceptible à réapparaitre
Les sensations les événnements nous permettent de recontruire le passé en associant les idées.
Le but d’écrire de Proust c’est de trouver le passé.

Analyse générale de l'oeuvre►

Les romans de Proust sont très modernes de point de vue de leur structure et par le style de leur écrivain. Dans ce roman cyclique Proust observe la société mondaine en décadence, en déclin. C’est le déclin qui est rapporté par ses romans. Il observe également le mécanisme et la passion amoureuse et il parle de l’art et encore de toutes autres choses. Il aborde même la philosophie et la psychologie dans ses oeuvres. L’un des thèmes principaux, c’est "LE TEMPS".
La notion de temps le préoccupe bcp, c’est l’une des raisons qui le poussent à écrire. Il réfléchie sur ce phénomène. L’écriture est une sorte de résistence contre l’usure du temps, contre le caractère fugitif du temps. Le temps passe, lorsqu’il passe, les hommes vieillissent, à chaque instant on s’approche à la mort. Si on en pense on peut devenir fou. Pour certains, l’écriture est une manière de resister à cette menace du temps qui passe. Marcel Proust a constaté avec une certaine peur l’écoulement du temps. Le temps passe les hommes vieillissent et cela crée une corruption physique et morale non seulemet sur les êtres vivants mais aussi sur les objets et enfin c’est la destruction qui vient.
Pourtant Proust découvre une autre chose qui est plus originale; c’est que le passé ne meurt à jamais, le passé reste enfui dans la profondeur de notre être, y reste enfoncé, caché.
Ce passé là est toujours susceptible à réapparaitre dans notre mémoire. Mais comment il transporte cette pensée? Avec le goût de madelaine. On peut découvrire le passé grâce à des sensations abstraites comme le goût, l’odeur du parfum qui nous permettent de retrouver le passé.
Le narrateur nous décrit une infusion: lorsqu’il a 35 ans, il rentre chez lui, sa femme de ménage lui prépare une infusion; il enfonce les madelaines, il les mange. Tout en menageant il pense, ce goût est d’un seul coup vers la fin l’emmène à son enfance. Il vivait chez sa tante qui lui servait ces madelaines-là. Il l’avait complètement oublié. Il reconstitue tout son passé. Il voit toutes les scènes de son passé. Il en déduit que toutes les sensations nous permettent de reconstituer le passé. Selon Proust, c’est une association d’idées qu’il reconstitue tout un passé. Le but d’écrire chez lui c’est trouver le passé. Les associations sont rares et elles sont fugitifs, elles partent tout de suite, ces associations évoquent chez nous. Il faut tout de suite réagir et essayer d’aboutir à une conclusion sinon elles disparaisssent. Même si elles sont très rares elles nous apportent uen certaine joie et lorsque nous éprouvons cette joie nous revivons cet instant de bonheur. Notre esprit n’intervient pas dans cette joie.
Cette reconstitution du passé c’est une victoire de l’écrivain sur le temps et our Proust c’est le but, l’objectif même de l’art. L’art ne sait qu’à maitriser le temps. Ce que cherche Proust c’est de développer les moyens, les méthodes qui permettront à l’homme de transformer le passé en un présent éternel. Cela nous parait incompatible car le présent c’est fugitif mais selon l’auteur il est possible de développer les moyens de transformer le passé en un présent éternel.